Seis obras maestras del arte «escondidas» en los museos

Por Kimberly Bradley

Muchos museos y galerías mantienen enormes instalaciones para guardar las obras que no están en exhibición al público.

Las cifras no mienten. En el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa), solo 24 de las 1221 obras de Pablo Picasso que pertenecen a su colección permanente pueden ser vistas por el público.

Del artista conceptual californiano Ed Ruscha, solo una de 145, y del surrealista Joan Miró, nueve de 156.

Y es que la gran mayoría de las obras que pertenecen a los mejores museos del mundo (y en muchos países, a sus contribuyentes) se encuentran almacenadas en depósitos oscuros a temperaturas controladas y meticulosamente organizadas.

La Tate de Londres, por ejemplo, muestra el 20 % de su colección permanente; el Louvre, el 8 %; el Guggenheim, 3 %, y la Berlinische Galerie, apenas el 2%.

Una razón para no exhibirlas es la falta de espacio. Otra, que los trabajos almacenados ya no encajan en los proyectos de curaduría de sus instituciones.

Es así que trabajos menos conocidos de artistas reconocidos no ven la luz al púbico.

Gracias a unas manos

Develaron en Bayamo escultura de cera de Gabriel García Márquez

Por Osviel Castro Medel

Bayamo, Granma.— Benditas las manos. Las manos de los Barrios. Las mismas que comenzaron a remover plastilina, como un juego, hace tanto tiempo y ahora pueden edificar cuerpos en cera que parecen reales; cuerpos como los de Gabriel García Márquez, el gran colombiano que siempre ha tenido quien le escriba.

Benditas las manos de Rafael, Lender y Rafael hijo, que ya llevan más de diez años con sus creaciones desde Guisa, un pueblo entre lomas que, sin ser Macondo, se ha hecho célebre por ellos… a pesar de los años de soledad.

Manos que hicieron coincidir, en un mismo espacio, a Martí, a Hemingway y al Gabo, develado ayer miércoles en el Museo de Cera ante decenas de ojos ansiosos.

Manos que, en un principio, necesitaban unas 120 libras de cera para hacer esculturas y hoy requieren unas 80 porque fueron aprendiendo sobre la marcha el difícil arte de moldear humanos sin perderse en ningún laberinto.

Bienaventurados los dedos de este padre y sus dos hijos, que de manera autodidacta han fabricado ya 15 figuras que nos remarcan el peso de la historia, la música, la cultura y el amor que exorciza a los demonios.

Afortunadas las manos que este miércoles nos recordaron que aquel que nunca naufragó y contó la crónica de una victoria anunciada, y fue Nobel de Literatura sin inflarse nunca, latirá más para Cuba desde la Ciudad Antorcha. Y estará vestido de blanco con ropas que le pertenecieron en vida, mirando al horizonte americano, pensando en sus amigos, poniéndole verdor a cada uno de sus personajes.

(Fuente: Juventud Rebelde)

Premio Príncipe de Asturias para el creador de Mafalda

El humorista gráfico argentino Joaquín Salvador Lavado (Quino), creador del personaje Mafalda, ganó este miércoles el premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 2014.

El jurado resaltó que Quino alcanzó renombre internacional con la creación del universo de Mafalda, una niña que percibe la complejidad del mundo desde la sencillez de los ojos infantiles, destaca PL.

Mafalda, la principal protagonista del trabajo creativo de Quino, agrega el acta, es inteligente, irónica, inconformista, contestataria y sensible. Sueña con un mundo más digno, justo y respetuoso con los derechos humanos.

Precisa que a 50 años del nacimiento de Mafalda, los lúcidos mensajes de Quino siguen vigentes por haber combinado con sabiduría la simplicidad en el trazo del dibujo con la profundidad de su pensamiento.

Su obra conlleva un enorme valor educativo y ha sido traducida a numerosos idiomas, lo que revela su dimensión universal. Sus personajes trascienden cualquier geografía, edad y condición social, apunta la decisión del jurado.

Revelan nuevo secreto en cuadro de la Mona Lisa

Escrito por Telesur

Los investigadores compararon el fondo de la famosa pintura renacentista realizada por Leonardo da Vinci a comienzos del siglo XVI -y que adorna las paredes del Museo del Louvre en París-, con la de su doppelgänger «La Gioconda» -en el Museo del Prado en Madrid- y determinaron la forma en que fueron pintados.

Los expertos en arte determinaron que los paisajes que adornan el fondo de ambos cuadros fueron pintados utilizando la técnica de la esterografía y que son dos mitades de una imagen 3D

Cada una de ellas muestra una perspectiva diferente de la mujer sentada, Lisa Gherardini. La estereografía es un método para representar objetos tridimensionales en un plano, por medio de sus proyecciones

Sin embargo, no conforma el último secreto del cuadro

El paisaje de ambas pinturas no es la actual campiña del norte de Italia, como se pensaba, sino un fondo falso, probablemente ubicado en el estudio de Da Vinci

El estudio, realizado por investigadores alemanes, señala que “los fondos de las obras son estadísticamente iguales en relación a la forma, aunque el fondo del cuadro del Prado es una versión con un zoom del 10 por ciento, en comparación con el fondo de la obra del Louvre”

A esta conclusión llegaron luego de analizar distintos puntos de referencia en los paisajes de fondo de la «Mona Lisa» y «La Gioconda», como se conocen las pinturas.

Esta diferencia en la perspectiva de ambos cuadros es producto de la distancia en que Da Vinci y su discípulo, quien se supone pintó la obra que se exhibe en España, estaban sentados respecto del fondo falso cuando pintaron los cuadros.

(Fuente: CubaSí)

A 131 años del natalicio del padre del cubismo: Pablo Picasso

Ciudad de México, México.— Hoy 25 de octubre se celebran 131 años del natalicio del pintor español Pablo Picasso, considerado uno de los padres del cubismo y de los mayores artistas del siglo XX.

Además de sus más de 2 000 obras conocidas, de su afición a la tauromaquia, su militancia en el Partido Comunista Francés y su gusto por las mujeres bonitas, poca gente sabe que Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, fue el primogénito de una familia burguesa de Málaga.

Según un mito local, el padre de Picasso, que era profesor de pintura, prometió no volver a pintar en su vida luego de ver el enorme talento de su hijo en sus primeros trabajos infantiles.

Aunque su apellido paterno era Ruiz, el pintor comenzó a firmar sus obras a partir de 1901 con el apellido de su madre, ‘Picasso’, pues así es como lo llamaban sus compañeros catalanes y quería distinguirse como personaje con un nombre menos corriente que ‘Ruiz’.

Su primera exposición individual la realizó en la famosa cervecería de Barcelona, Els Quatre Gats, en 1899, insignia de la bohemia modernista y lugar donde también se reunieron en su momento Rubén Darío, Antonio Gaudí y Miguel de Unamuno, entre otros intelectuales de la época.

En octubre de 1900 Picasso visitó París para asistir a la Exposición Universal, donde se exhibía una obra suya titulada Últimos momentos, la cual hasta la fecha está desaparecida.

Picasso pagó 2 000 pesetas, que le dio su tío, con el fin de no incorporarse al servicio militar en España en 1902.

Su popular óleo Las señoritas de Aviñón, el cual marcó el inicio del cubismo y por lo tanto de las vanguardias pictóricas del siglo XX, no retrata a mujeres de Aviñón, Francia, sino a las prostitutas de un famoso burdel de la calle Aviñón, en Barcelona.

En 1911, durante su estadía en la ciudad de París, Picasso fue interrogado por la policía luego de que un amigo suyo, el poeta Guillaume Apollinaire, fuera arrestado bajo la sospecha de haber robado la Mona Lisa del Louvre, y ser parte de una banda internacional. Posteriormente ambos fueron exonerados.

(Fuente: http://entretenimiento.terra.com.mx)

Autentifican nuevo cuadro de Van Gogh en Holanda

Un nuevo cuadro del pintor Vincent Van Gogh, de dimensiones poco habituales para ese artista y cuya autenticidad se ha confirmado tras un año de investigaciones, se expone  en el museo holandés Kröller Müller.

Imagen cedida por el museo holandés Kröller Müller de un nuevo cuadro del pintor Vincent Van Gogh, de dimensiones poco habituales para ese artista y cuya autenticidad se ha confirmado tras un año de investigaciones.

Según indicó esta citada pinacoteca en un comunicado, el cuadro, titulado Naturaleza muerta floral con amapolas y rosas, estaba atribuido a un artista anónimo, y aunque se sospechaba que pudiera tratarse de un Van Gogh, sus grandes dimensiones (1 metro por 80 centímetros) habían hecho dudar de esa autoría.

La pinacoteca, situada en la ciudad de Arnhem (este de Holanda) confirmó que se trata de un Van Gogh tras aplicar una avanzada técnica, basada en rayos X, que descubrió bajo el motivo floral otra pintura con los torsos de dos luchadores.

Van Gogh dejó constancia en una de sus cartas a su hermano Theo que había pintado esos luchadores en torno a 1886, durante un curso en la academia de arte en Amberes.

René Portocarrero: La ciudad, sus mujeres y las fiestas populares

Por María del Carmen Vasallo

Esta es la exposición con la que el Museo Nacional de Bellas Artes recordará el centenario del natalicio de ese relevante artista de la plástica, desde este 24 de febrero, cuando llegaría al centenario de su natalicio. Tres de los temas más recurrentes en la pintura de Portocarrero vuelven ahora en esta muestra que recoge 30 obras de especial significado cada una.

Las piezas fueron creadas entre 1939 y 1984, un año antes de su fallecimiento en 1985. En diferentes momentos de la creación de Portocarrero, y siempre en relación con su época, aparecen cuadros relacionados con las mujeres cubanas, la ciudad, en particular su querida Habana, y los festejos populares.

La mujer fue centro de las primeras obras artísticas de este relevantes creador. Este tema permaneció en evolución en el tiempo. Así ya pueden encontrarse excelentes cuadros de féminas, creados en su madurez temprana, hacia los años 30 de la pasada centuria. Completó el ciclo con sus excepcionales Retratos de Flora, realizados en 1966, expresiones de la cubanía de la mujer.

Otro de los símbolos más significativos de la pintura de Portocarrero fue la ciudad,  desde sus Interiores del Cerro, pasando por una urbe abstracta en la década de los 50 hasta llegar a las grandes ciudades creadas en los 60, con especial recreación de La Habana, su barroquismo y las famosas catedrales que nos legó.

Por último, en esta exposición estarán presentes sus fiestas populares que aparecen ya en sus Festines, pintados en el primer lustro de los años 40. Según fuentes del Museo Nacional de Bellas Artes, esas celebraciones populares pueden apreciarse también en sus pasteles de 1947, plenos de espontaneidad y cromatismo, para reaparecer  en Color de Cuba, serie de óleos pintados entre 1962 y 1963 con derroche de imaginación y color. La serie Carnavales, concebida a inicios de los años 70 de la pasada centuria, cierra este tema en el panorama creativo del artista.

En el Museo Nacional de Bellas Artes pueden también visitarse dos muestras recién inauguradas: Mimesis, exposición antológica de Manuel López Oliva (Edificio de Arte Cubano), y Los pintores de Artal. Pintura española del MNBA (Edificio de Arte Universal).

Cuarenta y cinco años de creación de René Portocarrero podrán ser ahora apreciados en esta otra muestra, que será abierta justamente el 24 de febrero, día en que el artista cumpliría 100 años. La exposición nos permitirá revisitar algunas de las obras más significativas de uno de los mitos más fascinantes de las artes plásticas cubanas.

(Fuente: Prensa Latina)

Obras de Arturo Montoto en próxima feria estadounidense Arteaméricas

Dos obras del relevante pintor, grabador y fotógrafo cubano Arturo Montoto se exhibirán en la Feria Arteaméricas que tendrá lugar en el Centro de Convenciones de Miami Beach, Estados Unidos, del 2 al 5 de marzo venidero.

Ambas, de mediano formato, pertenecen al Museo de Arte de Fort Lauderdale, en la Florida norteamericana, y responden al abstraccionismo develado a partir de su muestra El jardín de Epicuro, presentada en esta capital entre diciembre de 2009 y enero de 2010.

En declaraciones exclusivas a Prensa Latina, el artista precisó que las piezas fueron adquiridas por aquella institución en fecha reciente y ahora se incluyen en una exposición colectiva dedicada al arte abstracto, con la firma de importantes creadores.

Subrayó, además, que el museo floridano se inscribe entre los cuatro que, en aquel país, han obtenido obras suyas. Con anterioridad lo habían hecho el Lowe Art Museum (Universidad de Miami); el de la Universidad de Virginia; y el Museum of Latin American Art, en Long Beach, California.

Para este año, Montoto anuncia su retorno a la fotografía con una exhibición de gigantografías que nombrará Banales bananas.

Tras observar cómo se han ido banalizando diversos aspectos de la vida cotidiana y cómo ese fenómeno aparece protegido por una imagen igualmente banal, fue en busca del objeto curioso en las ciudades alemanas de Dresden, Berlín y Leipzig, y las españolas de Cádiz, Córdoba, Sevilla y Madrid.

La segunda etapa del proyecto transcurrirá en Estados Unidos, donde trabajará las instantáneas con una novedosa técnica de impresión.

Tal vez se exhiban primero allá, aunque quiero organizar una muestra itinerante por toda Cuba; difundirlas entre mis coterráneos porque, desde hace tiempo, no han podido apreciar mi quehacer fotográfico, señaló.

Montoto reveló también su regreso a la pintura en pequeño formato y, en un futuro, la sorpresa de regalar a sus admiradores ese ambiente de frutas, muros y objetos diversos que tanto han gustado desde que inició su carrera.

Siempre he dicho que soy, en esencia, un pintor. Puedo hacer cualquier cosa, pero la pintura es siempre mi refugio, concluyó.

En 2011, el también escultor, muralista y dibujante cumplió un amplio programa internacional con participaciones en la Semana de la Cultura Cubana en El Cairo (Egipto) y la Feria de Arte de Santo Domingo (República Dominicana).

Asimismo realizó una fructífera estancia en Alemania, auspiciada por el Instituto Cervantes de Berlín, la Universidad de Humboldt y el Instituto Max Planck.

(Fuente: Prensa Latina)

Museo del Prado descubre réplica de la Mona Lisa

Por Europa Press

Conservadores del Museo del Prado han descubierto entre sus fondos una réplica de La Gioconda de Leonardo da Vinci. La obra fue pintada, probablemente, por Andrea Salai o Francesco Melzi. Los expertos del Prado llevaban varios meses estudiando y limpiando la obra, según han explicado a Europa Press fuentes del Museo.

El estado de conservación de la pintura es incluso mejor que el de la Mona Lisa, y estaba siendo restaurada con motivo de la exposición que el Louvre abrirá entre el 29 de marzo y el 25 de junio sobre la Santa Ana de Leonardo. Durante muchos años, se le consideró una réplica de la Mona Lisa hecha por un alumno suyo después de la muerte del artista florentino.

El tamaño de original y réplica es prácticamente el mismo: 77 x 53 centímetros para el primero, y 76 x 57 para la segunda. El discípulo de Leonardo habría ejecutado la réplica a medida que el maestro toscano iba pintando el original.

En estos momentos, el equipo de restauración de la pinacoteca madrileña continúa adelante con su trabajo, retirando las sucesivas capas de barniz que durante más de 500 años han ido tapando el rostro de la joven del cuadro. Los responsables del Museo del Prado revelarán este miércoles más detalles de este descubrimiento.

Nostalgias de Fidelio

Por Maité López Pino

Retrato de Fidelio Ponce

Cuando nació en Camagüey el 25 de enero de 1895, el artista de la plástica cubana, Fidelio Ponce, no fue bautizado con el nombre por el cual lo reconocen mundialmente. Su verdadero nombre era Alfredo Ramón Jesús de la Paz Fuentes Pons.

Aunque no se conoce con exactitud si concluyó los estudios en la Escuela de Artes, adonde asistió irregularmente, siempre obtuvo calificaciones sobresalientes. La pasión por el arte lo empujó con frecuencia a visitar talleres donde pintaban los maestros de la época.

Tal vez como Van Gogh, Ponce de León sufrió la incomprensión de la sociedad que le tocó vivir y se refugió en su universo interior. Los expertos aseguran que a pesar de no ser uno de los pintores más críticos con el gobierno imperante, supo traducir el sufrimiento y la desesperanza de un país explotado y sumiso.

La historia reseña que Fidelio dejó su impronta en sitios inverosímiles: pintó en lugares olvidados, brindó su arte a las personas humildes. Durante toda su vida enseñó a los niños de los barrios más pobres y hasta se dice que muchas veces pintó en bares y tabernas solo para comer.

En su obra se evidencia una mezcla de figuras alargadas, monocratismo, abstracciones que tocaban temas de religión, de enfermedad y de muerte. Por ejemplo, con sus famosas  pinturas Tuberculosis y Beatas evidencia la complicidad del blanco y los colores ocres, de tristeza y luz.

Fidelio Ponce, el pintor de las miserias humanas –como muchos lo conocen—, mostró siempre un aspecto físico deteriorado, primero por el alcohol, y más tarde por la tuberculosis, pero su talento seguía invocando la fantasía cubana.

(Fuente: CubAhora)